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Jul 30, 2023

12 klassische australische Songs, die es nicht in die Mainstream-Charts schafften

Sie sind australische Klassiker und oft Signature-Songs für ihre Acts. Sie haben

Sie sind australische Klassiker und oft Signature-Songs für ihre Acts. Sie sind in das nationale Bewusstsein eingedrungen.

Sie sind australische Klassiker und oft Signature-Songs für ihre Acts. Sie sind in das nationale Bewusstsein eingedrungen.

Aber diese australischen Songs waren nie große kommerzielle Hits, obwohl sie möglicherweise Höhepunkte ihrer Live-Shows waren oder wertvolle Aufmerksamkeit bei Triple J oder im Community-Radio erhielten.

„Ihre Beine waren oft offen, aber ihr Geist war immer verschlossen“ – Zeilen wie diese landeten „Khe Sanh“ im kommerziellen Radio.

Auf dem Album „Live at the Wireless“ dankte Jimmy Barnes Double J dafür, dass er die einzige Stimme in der Wildnis war, die es auf die Playlist gesetzt hat.

40 Jahre später gewinnt „Khe Sanh“ an Kraft und Statur als düsteres und distanziertes Lied, das die australische Psyche einfängt – Abneigung gegen Autorität und Druck von anderen, sich anzupassen.

Um das Ganze noch schlimmer zu machen, erreichte es bei der Erstveröffentlichung Platz 41 und landete selbst bei der Neuveröffentlichung im August 2011 nur knapp auf Platz 40.

Die APRA-Umfrage von 2001 platzierte es auf Platz 8 der besten australischen Songs aller Zeiten, während es im Januar 2018 in einer Umfrage zum „australischsten“ Song aller Zeiten die „Ozzest“ 100 von Triple M anführte.

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„These Days“, ein weiterer Live-Hit, tauchte nur als bescheidene B-Seite (zu „Passenger“) auf, lag aber 1999 an der Spitze des Triple-J-Hottest-100-Countdowns.

Filmregisseur Gregor Jordan bat sie, ein Liedchen für seinen kommenden Film Two Hands zu schreiben.

Bernard Fanning schrieb die Texte, inspiriert von einigen Szenen, die Jordan ihm vorspielte.

Der Text war ergreifend genug, um eine Zeit lang in den englischen Lehrplan einiger australischer High Schools aufgenommen zu werden und Ende 2005 im TVC „The Hidden Toll“ der Victorian Transport Accident Commission verwendet zu werden.

„These Days“ stand 1999 an der Spitze der australischen Triple J Hottest 100 (Fanning witzelte: „Wir haben herausgefunden, dass die Nummer eins der Hottest 100 uns zur größten Band der Welt macht, weil es die größte Musikumfrage der Welt ist“) und Song des Jahres bei den Music Critic's Awards 2000.

Tash machte „eine beschissene Zeit in meinem Leben“ durch, sie kam eines Tages nach Hause, „schrieb es praktisch auf der Stelle“, hämmerte das Lied als kleines Psychodrama auf ihrem Handy im Schlafzimmer raus, lud es hoch und sah, wie es entstand 22 Millionen YouTube-Aufrufe.

Sie schrieb Songs, die ihr besser gefielen, aber die Fans riefen bei Shows danach und die Interviewer redeten immer wieder davon.

Sie drückte ihre Frustration aus, als ein australischer Triple-J-Moderator das Lied ansprach. Tash beklagte, dass das Lied, das ihr am wenigsten gefiel, das Lied war, das allen gefiel.

„Jungle“ erreichte Platz 39 in Australien und auch Platz 39 in den US-Alternative-Charts, belegte aber Platz 3 in den Hottest 100 2016

Das ungeliebte Kind wurde zum Star: Hey, das hätte eine Figur aus einem ihrer Lieder sein können.

Das ursprüngliche Bild für Rose Tattoo, das vom Slide-Gitarristen Peter Wells und dem frühen Manager Sebastian Chase entworfen wurde, bestand aus leuchtend orangefarbenen Haaren, rasierten Augenbrauen und komplett schwarzer Kleidung.

Dann kam der töricht herausgeforderte Angry Anderson, um die Mikrofonaufgaben zu übernehmen, und das Konzept landete auf der Toilette.

Ihr selbstbetiteltes Debütalbum wurde von Harry Vanda & George Young produziert und über Alberts veröffentlicht und enthielt „Bad Boy For Love“ als erste Single.

Nachdem es in die Top 20 kam, erwartete man, dass der weit überlegene und umwerfendere Rock And Roll Outlaw, der bei seinen Shows größere Reaktionen hervorrief, besser abschneiden würde.

Als sie in der allmächtigen ABC-TV-Show „Countdown“ auftraten, gab es leider einen spontanen Kuss zwischen Anderson und dem Gitarristen Mick Cocks vor der Kamera – etwas, das sie bei ihren Live-Shows oft als „Liebe und Brüderlichkeit“-Statement taten – sah, dass sie von der Show ausgeschlossen wurden.

Die großen Radiosender hielten daher vorsichtig Abstand und der Song stoppte die Titel auf Platz 68.

Aufgrund seiner Live-Beliebtheit wurde das Album in einigen Überseemärkten unter dem Titel Rock 'n' Roll Outlaws veröffentlicht.

Das jahrhundertealte Sprichwort über Menschen, die traurige Lieder schreiben – die Tone Deaf gerade erfunden hat – besagt, dass sie es tun, um eine innere Narbe zu vernähen oder eine Botschaft auszusenden: „Na gut, ich gehe mit mir selbst aus.“

Das melancholische Klavierstück „No Aphrodisiac“, das tausend tränenüberströmte Liebesnoten hervorbrachte, begann nicht als Standard-Liebeslied.

Whitlams-Anführer Tim Freedman sagt, es gehe tatsächlich darum, zu erkennen, dass seine Fernbeziehung (sie in Melbourne, er in Sydney) in die Brüche ging.

In einigen Zeilen deuteten die Rezensenten Andeutungen von Untreue und Masturbation an.

Zu den Autoren des Songs gehören Pinky Beecroft und Chit Chat von Machine Gun Fellatio, die ein Demo mit einigen sehr lustigen persönlichen Kleinanzeigen hatten, und sechs dieser Zeilen wurden für den komödiantischen Effekt in dem Tränenfilm der Whitlams verwendet.

Freedman brachte seine Meinung zum Ausdruck: „Nun, ich denke nicht, dass es sehr ungewöhnlich ist, wenn man bedenkt, dass jede andere Indie-Rockband einen Song über Verlust, Verzweiflung oder Einsamkeit hat.“

„Der Unterschied besteht meiner Meinung nach darin, dass unser Lied mehr von der Idee herrührte, sich der Einsamkeit hinzugeben, anstatt sich von ihr besiegt zu fühlen.“

Gilt als Signature-Song der Band. Es schaffte es nur bis auf Platz 59 der ARIA-Charts, war aber Platz 1 der Hottest 100 1997 und wurde bei den ARIAs zum Song des Jahres gekürt.

Das bekannteste Songbuch der australischen Band The Go-Betweens ist mit Brisbane verbunden, wo die Band gegründet wurde.

Aber es wurde in Sydney geschrieben, in einer sonnigen Dachgeschosswohnung in Bondi Junction, die sich Grant McLennan und die in Sydney geborene Multiinstrumentalistin Amanda Brown teilten, die eine Beziehung führten.

Das war kurz bevor sie ihr sechstes Album 16 Lovers Lane aufnahmen.

In einem Beitrag im Guardian über die Entstehungsgeschichte schätzte Brown, dass die Zusammenstellung zehn Minuten gedauert habe.

Sie erinnerte sich: „Ich habe mitgesungen und diese ‚Shine‘-Zeile gesungen, die wie die Call-and-Response-Antwort in den Versen ist, und das ist so ziemlich alles – so ist es entstanden.“

„Und ich erhalte für dieses Lied keine Songwriting-Tantiemen, denn das war eine Bedingung dafür, dass ich der Band beigetreten bin.“

Brown stellte die Katze in dem Stück auch mit ihrem Kommentar in den Mittelpunkt: „Wahrscheinlich sind sich alle darin einig, dass es sich um eine späte Ergänzung des Albums handelte. Und ich beeile mich hinzuzufügen, alle [anderen] waren entschieden dagegen, es ebenfalls aufzunehmen.“

Lindy Morrison ihrerseits erinnerte sich: „Wir wussten alle, dass es die Single werden würde.“

Fans und Kritiker sabberten über die Aufnahme (insbesondere die frühe Erwähnung häuslicher Gewalt), aber in Australien erreichte sie nur Platz 70 bei „Mushroom“, während sie in Großbritannien bei „Beggars Banquet“ (Platz 60) und in Neuseeland bei „Mushroom“ (Platz 30) besser abschnitt.

Die Band löste sich ein Jahr später auf.

Der Sportleiter Stephen Cummings ging neben Skyhooks und Jo Jo Zep & The Falcons aus Melbournes kreativer und theatralischer Carlton-Szene hervor.

Er hatte vorgehabt, eine Zeitschrift zu gründen und verkaufte Abonnements, um die Druckkosten zu decken. Mit dem Geld kaufte er stattdessen eine Gitarre in einem Pfandhaus.

Von den frühen R&B-Anfängen wechselte Sports zu einem New-Wave-Pop-Glanz-Sound.

Ihr Vermögen in Großbritannien schwand in jeder Hinsicht, als die Plattenfirma Stiff darauf bestand, das englische Publikum zu verärgern, indem sie ihre Australierlichkeit propagierte.

Auf ihrer ersten Plattenhülle war Tennisstar Evonne Goolagong zu sehen, der einen Koala hielt, und versuchte erfolglos, Cummings dazu zu bringen, ein Elvis Costello zu singen und seinen Namen in Steve Cochran (nach dem 50er-Jahre-Rocker Eddie Cochran) zu ändern.

Amerika war entgegenkommender, aber The Sports traf die Entscheidung, nicht zu viel Zeit im Ausland zu touren.

Die Lead-Off-Single „Who Listens To The Radio“ des Don’t Throw Stones-Albums war die präzise Artikulation von Cummins‘ Bühnenpersönlichkeit, voller nervöser Energie und ironischer Rhythmen.

Es war ein Live-Hit, erreichte aber Platz 35 im Kent Music Report in Australien und Platz 45 in den USA.

Beim diesjährigen AFL Grand Final auf dem Melbourne Cricket Ground war es ein aufregender Moment, als 100.000 Zuschauer mit Paul Kelly bei der Zeile „Looking over the Bridge to the MCG“ mitbrüllten.

Es war immer ein besonderes Lied. Obwohl Kelly vor allem als Albumkünstlerin bekannt ist, hatte sie eine Reihe von Top-10-Hits, „Leaps And Bounds“ gehörte jedoch nicht dazu.

Der Barde hatte es mit Chris Langman (später Filmemacher) geschrieben, als sie während ihrer Zeit in der Band The Dots eine Wohnung in Melbournes Punt Road teilten.

Eine frühe Version des Liedes erschien in Langmans 1980er-Jahre-Band The Glory Boys, zu der auch das zukünftige Crowded-House-Mitglied Nick Seymour gehörte.

Es war ein Schicksalsschlag, dass Crowded House das Lied spielte, als Kelly 1997 in die ARIA Hall of Fame aufgenommen wurde.

Ebenfalls zufällig nahm Iva Davies' Flowers eine Version für ihr Debütalbum Icehouse auf, die es jedoch nicht in die Endfassung schaffte. Flowers-Schlagzeuger John Lloyd war bei The Dots dabei.

Die Kelly-Version erschien auf dem Doppelalbum Gossip, das gestrichen wurde, als Kelly nach Sydney zog und The Coloured Girls gründete.

Der Name stammt aus einer Zeile aus Lou Reeds „Walk On The Wild“ („Und die farbigen Mädchen gehen…“) und wurde hastig in „The Messengers“ geändert, als die Band begann, durch Amerika zu touren.

„Leaps And Bounds“ war selbst als Single nie ein Hit (im Gegensatz zu den anderen Titeln des Albums, „Before Too Long“ und „Darling It Hurts“), aber Kelly spielte es bei besonderen Anlässen in Melbourne mit großer Wirkung.

Dazu gehörten die Abschlusszeremonie der Commonwealth Games am 26. März 2006 und das AFL Grand Final 2012.

Die australische Band mag zwar unter EDM gelistet sein, aber ihr erstes Album Since I Left You – komplett mit über 3.000 Samples und mit Bandmitglied Robbie Chater, das gegen Autoimmunerkrankungen kämpft – wurde völlig über die Genresprache hinausgefordert.

Und als sie fast zwei Jahrzehnte später zurückkehrten, fanden sie nicht nur ein wartendes Publikum in einer Zeit der Verfügbarkeit vor, sondern hatten auch eine weitere Platte aufgenommen, die neue Schatten auf den Musikstil warf und dieses Mal seine Unvollkommenheiten zur Schau stellte.

Ihr erster Auftritt seit zehn Jahren war in Melbourne: Sie liefen nur einmal durch das Set, bevor sie vor 25.000 Menschen die Bühne betraten. Groovig, Baby!

Das Lied „Since I Left You“ hatte schon seit der Veröffentlichung einer Demo als Teil eines Mixtapes kulturelle Bedeutung.

Das Endergebnis, das als dritte Single veröffentlicht wurde, verkörperte die Freude am Hören verschiedener Musikrichtungen.

Das Hauptbeispiel, das im Refrain verwendet wurde, war der Titel „Everyday“ von Main Attraction aus dem Jahr 1968.

Außerdem waren „Daddy Rich“ von Rose Royce, „Anema e core“ und „By The Time I Get to Phoenix“ von Tony Mottola, „The Sky's The Limit“ von den Duprees, „Take Off Your Make-Up“ von Lamont Dozier und „Take Off Your Make-Up“ von Klaus Wunderlich zu hören. „Lass uns den Latin Hustle machen“.

Aber es war kein Mainstream-Hit. In Australien stieg es auf Platz 67 ein, trottete zwei Wochen lang herum und verließ dann die Bühne mit Recht.

Es war Platz 16 im Vereinigten Königreich, Platz 29 in Irland und Platz 97 in den Niederlanden.

Es war jedoch Platz 8 in den Hottest 100 2001.

Das australische Kollektiv The Triffids hatte viel Erfahrung damit, von seinem Heimatstandort in Washington aus über den Nullarbor zu fahren, um sein Netz auf die Ostküste auszudehnen.

Sie entwickelten aus erster Hand eine Wertschätzung für die rotstaubigen Räume des Landes, das Gefühl von Geheimnis und Verwirrtheit, den „großen und leeren“ Himmel, die „Wildnis“ und das „Flachland“, das durch das Lied huschte.

David McComb, sein Autor, bemerkte später: „Wie der Rest des Born Sandy Devotional-Albums schien es auf natürliche Weise eine bestimmte Landschaft hervorzurufen, nämlich den Autobahnabschnitt zwischen Caiguna und Norseman, wo das Hi-Ace der Triffids eintönig hinkam.“ zum Kummer mit Kängurus.

Er begann in Melbourne mit dem Schreiben und erinnerte sich daran, wie er eines Morgens aufwachte und alle Texte schnell aus ihm heraussprudelten.

Wie alle seine besten Lieder verband die Erzählung das Persönliche mit dem Universellen.

In diesem Fall ging es um einen Mann, der so entschlossen versuchte, seine verlorene Liebe zu finden, dass er jeden Freund und jedes Familienmitglied abschnitt, der ihm in den Weg kam.

McComb beendete die Melodie „bei einem Soundcheck irgendwo in Europa“, bevor die Band nach London aufbrach, um „Born Sandy Devotional“ mit dem Produzenten Gil Norton aufzunehmen.

Man erinnert sich liebevoll an „Wide Open Road“, weil es das australische Flair einfing, nicht nur durch die Worte, sondern auch durch das Raumgefühl und die Klänge, die die Band um das Album gewebt hat.

McComb starb 1999 im Alter von 36 Jahren.

Steve Kilbey von The Church, der einsprang, um das Lied zusammen mit den Triffids aufzuführen, als sie in die ARIA Hall of Fame (2008) aufgenommen wurden, war ein großer Fan der Nummer.

„Es ist ein riesiges Lied. Es ist, als würde man (Led Zeppelins) ‚Whole Lotta Love‘ singen – jeder kennt es und liebt es. Als ich es hörte, wünschte ich, ich hätte es geschrieben.“

Im Jahr 2001 wurde er von der APRA zu einem der 30 größten australischen zeitgenössischen Rocksongs gekürt.

Ironischerweise schnitt es im Ausland besser ab und erreichte Platz 64 im australischen Kent Music Report und Platz 25 im Vereinigten Königreich.

Das Lied erreichte 1989 Platz 68 der Triple J Hottest 100 und 1990 Platz 9.

Dieses spontane Riff wurde oft genug gehört – im Radio, bei Spielen (Rock Band, Guitar Hero), bei Sportveranstaltungen, in Filmen (Flushed Away) und natürlich in der Apple iPod-Werbung mit tanzenden Silhouetten, die sie weltweit bekannt machte –, um es zu Jets Erkennungsmelodie zu machen .

Es wurde mit Iggy Pops „Lust For Life“ verglichen, aber Nic Cester hörte tatsächlich viele Easybeats, Who und Stones aus den 60er-Jahren, um ihrer Frechheit Ausdruck zu verleihen.

Er hat sich auch schlechte Angewohnheiten zu eigen gemacht, indem er abscheuliche Zeilen über Mädchen mit großen schwarzen Stiefeln und langen braunen Haaren geschrieben hat.

Dennoch war es einer der Höhepunkte für das Publikum, das zum langjährigen Aufenthalt der Band im Duke of Windsor in Melbourne kam und miterlebte, wie die Songs auf ihrem ersten Album „Get Born“ eine starke Identität entwickelten.

Sowohl das Lied als auch das Album sorgten im Zuge der Gitarren-Renaissance dieser Zeit für einige kleine Wellen.

Aber erst Apple schaffte es auf Platz 29 der Billboard Hot 100, auf Platz 3 der Modern Rock Tracks und auf Platz 7 der Mainstream Rock Tracks. In den USA wurden 1,3 Millionen Einheiten verkauft.

Sein Erfolg verschaffte Get Born einen ordentlichen Aufschwung und brachte es nach acht Monaten zu einem amerikanischen Umsatz von 3,5 Millionen, sodass Cester ein Haus in Como, Italien, nicht weit von George Clooneys entfernt, kaufen konnte.

Cester gab gegenüber Vice zu: „Das war definitiv ein Wendepunkt. Diese Art der globalen Präsenz ist definitiv bahnbrechend.“

„Besonders dann mit dem iPod, weil es ‚das‘ neue Produkt war, das alle interessierten.“

„Are You Gonna Be My Girl“ kam in 10 Ländern in die Charts.

In Australien, wo ihr Plattenvertrag mit EMI auf einer der legendären Weihnachtsfeiern des Beat-Magazins dramatisch auf der Motorhaube eines Autos unterzeichnet wurde, erreichte sie Platz 20 der ARIA-Charts, wurde aber auf Platz 1 der Hottest 100 2003 gewählt.

Beim australischen Pub-Rock drehte sich alles ums Trinken und Ficken, am besten mit in die Luft gereckten Fäusten und aus den Lippenwinkeln sabberndem Bier.

Doch einer der großartigsten Pub-Rock-Songs begann als einfühlsame Geschichte über Verlust und Trauer.

Zwei Studienfreunde von Bernard Neeson waren während der Studienferien nach Mt. Gambier gefahren, wo sie ein Häuschen in den Kiefernwäldern gemietet hatten.

Das Semester der Dame begann vor dem ihres Freundes, also kehrte sie alleine nach Adelaide zurück.

Ihr Motorrad prallte gegen einen Pfosten und sie starb.

Das Gitarrenriff des anschließenden Hardrock-Angriffs (der 4-minütigen Albumversion) soll eine Sirene eines Krankenwagens sein.

In ihrer Trauer führten Neeson und sein Freund D&M-Diskussionen über Verlust und Trauer, und daraus entwickelte sich das Lied.

Neeson erzählte dem australischen Adelaide Advertiser: „Ich begann darüber nachzudenken, durch Kunst mit Menschen und mir selbst in Kontakt zu treten, und ich wusste von dieser Künstlerkolonie in Santa Fe, also habe ich das in das Lied eingearbeitet, und mein Vater hatte immer Renoir-Drucke in unserem Haus.“ , also ging das auch rein.“

Boogies sind Boogies sind Boogies.

Aber das Lied der Angels erinnerte schnell an die B-Seite „Lonely Night“ von Status Quo aus dem Jahr 1974, insbesondere an die Zeile des Quo-Songs „Cos I never think I'd see or heard you again“.

Eine einmalige „sechsstellige Summe“ wurde an Quo geschickt, bevor es zu rechtlichen Vorwürfen kam.

„Am I Ever Gonna See Your Face Again“ wurde mehrere Male veröffentlicht – ein langsameres Outtake, eine 3:12-minütige Single-Version ohne Ambulance-Riff, zwei Live-Versionen – wobei die Live-Version von 1988 die Top 30 erreichte.

Heutzutage klingen alle früheren Versionen zahm ohne das berühmte „No way! Get fucked! Fuck off!“ Publikumsgesang, nachdem die Band den Titel des Liedes vorgetragen hat.

Neeson sagte, er habe es zum ersten Mal in Mt. Isa, Queensland gehört (er sagte 1978, andere Bandmitglieder rechnen mit 1983) und war verblüfft darüber, warum die Menge bis zur Zugabe wartete, um der Band in diesem Gesang zu sagen: „Ich sage alt.“ Junge, ich bin nicht besonders begeistert von deiner alten, befreundeten Band, was soll's.

Mindestens fünf Städte haben Anspruch darauf erhoben, wo der Gesang begann.

Aber die Fans erzählten den Bandmitgliedern, dass ein DJ in einer von der Polizei überwachten Blue Light-Diskothek in Sydney das Lied spielen und den Gesang über die Platte rufen würde, damit die Schulkindermenge ihn wiederholen könne.

Während der Schulferien waren diese Kinder über ganz Australien verteilt, wo die Band zu dieser Zeit zufällig auf Tour war, und der Gesang heizte den Buschtelegraphen ein.

Neeson sagte: „Es ist zum Lied des Publikums geworden, es gehört nicht mehr der Band.“

„Ich kann mir keinen anderen Song vorstellen, bei dem sich die Menge ihre eigenen Worte ausgedacht hat und sie Teil des Songs geworden sind.“